1918 - 1995

Les années 1950 et le début des années 1960 constituent une période charnière dans l'évolution artistique de Costas Coulentianos. Au cours de cette période, il entreprend une transformation artistique importante en s’aventurant dans la création directe de sculptures à partir de tôles. Cela a marqué le début de son exploration de l’abstraction accrue. Dans le cadre de ce parcours innovant, il a été le pionnier d’une nouvelle technique appelée « fer brassé ». Avec une habileté magistrale, il fusionna habilement le bronze, le cuivre, le plomb ou l’étain directement sur le fer, créant ainsi une texture distinctive et tangible qui deviendrait sa signature artistique. Certaines des œuvres d’art réalisées par le sculpteur au cours de cette période ont ensuite été coulées en bronze.

1918 - 1995

Un exemple de la texture distinctive du « fer brassé » peut être observé dans sa remarquable pièce en relief intitulée « Eubée », qui représente de manière saisissante l'île grecque d’Eubée. Cette œuvre faisait partie d’une série plus vaste capturant l’essence de diverses îles grecques, dont l’île de Cythère et la Crète, mettant en valeur la maîtrise de Coulentianos dans la fusion de la texture et de la forme.

Puis, « Oiseau » et « Sans Titre » sont des sculptures abstraites et géométriques qui incarnent l'exploration de la forme, de la texture et de l’abstraction de Costas Coulentianos dans les années 1960. Au-delà des limites de la sculpture traditionnelle, le sculpteur s'est également aventuré dans le domaine des objets ménagers fonctionnels, dont la pièce « Table » représente un testament exemplaire.

1936- 

La maternité est au cœur de l’œuvre de Parvine Curie. La sculpture « Grotte aux Doigts » et le bas-relief « Relief aux Doigts » symbolisent deux mains jointes, créant un abri protecteur, un refuge, évoquant l'idée d'amour inconditionnel, de tendresse et de soutien. Même si l’œuvre de Curie semble abstraite, elle n’est qu’une expression figurative, une vision du monde non enfermée dans aucun code, un retour à l’origine maternelle primitive. Un aspect important de ses sculptures constitue l’espace ouvert à l’intérieur. La lumière qui les traverse ne définit pas seulement les formes, mais imprègne également ses sculptures de spiritualité.

1936- 

Inspirées par des lieux historiques et sacrés, les œuvres de Curie font dialoguer architecture et sculpture et deviennent un accès vers la découverte d’un monde spirituel. Sans être limitée par les contraintes pratiques de l’architecte, elle aperçoit la sculpture comme le moyen qui lui permet de se concentrer uniquement sur la pureté des formes. Par ailleurs, de 2012 à 2015, Curie a étudié les possibilités de combiner fonctionnalité et sculpture en créant du mobilier sculptural, dont « Cathèdre » constitue un exemple splendide. En outre, elle a utilisé les mêmes thèmes qu’elle a explorés dans ses meubles et ses sculptures sur une surface bidimensionnelle dans une série de broderies.

1924 - 2019

Dès le début de son parcours artistique, Claude Mercier travaille directement le métal. Il devient ainsi une figure déterminante dans la révolution du langage de la sculpture grâce à des innovations techniques pionnières dans le travail du métal. Mercier s’oriente rapidement vers l’abstraction après une première phase de semi-figuration. Il développe un langage personnel en créant des sculptures aux finitions satinées et brillantes, où les formes métalliques sont harmonieusement disposées dans des compositions dynamiques qui captent et reflètent la lumière. Mercier a non seulement créé une multitude de sculptures, mais également un ensemble important de reliefs qui faisaient partie intégrante de son récit artistique.

1924 - 2019

La vision de Mercier a été profondément influencée par l’interaction des formes concaves et convexes. Il a alterné des formes incurvées vers l’intérieur et vers l’extérieur, tissant ensemble des poussées latérales et verticales. La redéfinition et la répétition systématique de ces formes, révèle la tension et le rythme pur. Il souhaitait que ses sculptures expriment une dimension universelle ainsi qu’un sentiment d’intemporalité et d’élégance. Dans ce contexte, l’équilibre et la maîtrise de la lumière deviennent essentiels. Selon ses propres mots, « L’espace est construit à travers ce qui est manipulé » et ses œuvres sont devenues un reflet captivant de ce concept, en résonance avec son environnement, en capturant et en amplifiant l’essence de la lumière.

1979 -

Eva Papadopoulou, artiste du relief et sculptrice, réinvente l'art ancien de la mosaïque en apportant une touche de modernité. Elle s’inspire du paysage grec local et elle utilise une technique mixte unique, développée par elle-même. Contrairement aux mosaïques traditionnelles posées à plat, Eva dispose ses compositions verticalement, en leur insufflant du mouvement et de la texture. Son travail brouille les frontières entre relief et sculpture et chaque fragment joue un rôle crucial dans le récit visuel global. Elle recycle également des fragments de marbre local, en les transformant en œuvres d’art qui défient le poids du matériau. L'art d’Eva est un hommage à la nature, nous rappelant le lien profond entre l'art, la culture et le monde naturel.